El drama, por definición, es una serie de eventos emocionantes, emocionales o inesperados. Nosotros, como fotógrafos, a menudo utilizamos el drama en nuestro lenguaje visual como una forma de mejorar nuestra narración. Piensa en lo que significa el drama para ti. ¿Es la oscuridad y la sombra? ¿Contraste? ¿Estado animico? ¿Expresión? Dominar todos estos elementos es integral para crear drama dentro de tus propias imágenes. Obviamente, se puede diseñar de varias maneras, pero aquí nos centraremos en mis cinco técnicas favoritas: usar un modificador grande, difuminar la luz, cuadrículas, la bandera y expresiones de entrenamiento.

Conceptos erróneos sobre el retrato dramático

Hay algunas de las cosas que mucha gente piensa que debe ser una imagen dramática que no necesariamente siempre es cierto. Para comenzar, disipemos un par de conceptos erróneos sobre los requisitos de una imagen dramática.

Debe estar oscuro.

Aunque las imágenes dramáticas suelen ser oscuras , esto no es algo que deba ser cierto el 100 % del tiempo. Hay más ingredientes además de la «oscuridad», y una imagen tomada en blanco no es menos dramática debido a la elección del fondo. Aquí, el drama proviene de la pose de poder, la expresión y el alto contraste.

Debe ser triste.

Más adelante vamos a hablar de las expresiones y cómo contribuyen al retrato dramático, pero no te sientas encerrado en una idea de “mal humor” o “tristeza”. El drama tiene que ver con el tono , y eso se puede lograr de múltiples maneras. En esta imagen, la expresión alegre aún se siente dramática debido a la iluminación, el vestuario y el desarrollo discreto de la imagen.

“Necesita una iluminación especial”.

Muchas personas pueden verse envueltas en limitaciones que ellas mismas se imponen. Por ejemplo, «No puedo hacer algo porque no tengo un tipo de iluminación ____». Si bien esto puede ser cierto en circunstancias muy específicas, a menudo se puede crear un estilo con varias herramientas diferentes. La imagen de arriba se tomó con luz natural, pero la expresión, la pose, la iluminación y el vestuario contribuyen al dramatismo de la imagen. Estos son solo un par de puntos a considerar cuando se usa luz natural para crear retratos dramáticos.

Usar un modificador grande

Una de las cosas que no entendí completamente durante mucho tiempo es cuán efectiva puede ser una fuente de luz más grande en comparación con una más pequeña. Ya sea un paraguas grande (uno de mis modificadores favoritos), un softbox rectangular, un octabox, etc., cuanto más grande sea, más suave y contrastado será en el sujeto. Analicemos ambos componentes.

La luz suave tiene transiciones más graduales entre la luz y la sombra y es más indulgente con la textura de la piel en comparación con una fuente de luz más dura. La luz se puede suavizar mediante modificación o distancia. El factor determinante más importante con respecto a la suavidad de la luz es el tamaño relativo. Cuanto más grande sea un objeto en relación con el sujeto, más suave será. Por lo tanto, un modificador más grande, relativamente cercano al sujeto, sería muy suave. Comparemos:

En la imagen de la izquierda, la luz es una cabeza descubierta, lo que da como resultado un borde duro en las sombras y reflejos especulares. Esos reflejos acentúan el brillo, el sudor y la textura y generalmente son menos indulgentes con la piel. En la imagen de la derecha, se utiliza un paraguas grande con difusor, la transición de sombras es mucho más gradual y la piel en general parece más favorecedora.

El paraguas pequeño de la izquierda tiene una sombra un poco más dura y definida que el paraguas más grande de la derecha. Aunque los paraguas ya son algunos de los modificadores más suaves que puede usar, hay una ligera diferencia en el tamaño, aunque ambos son relativamente parecidos. La potencia de ambas luces se ajustó ligeramente (el paraguas más grande necesitaba una salida más alta) para mantener el mismo f/stop en la cámara. Observe también la gradación muy leve en el fondo de la imagen de la izquierda, mientras que el paraguas más grande ilumina la escena de manera más uniforme.

Aquí, el principio del «tamaño relativo» es más obvio. Se usa el mismo modificador con la misma configuración de potencia (el f/stop de la cámara se compensó para mantener la exposición), pero la imagen de la derecha retrocede la luz varios pies. La imagen de la izquierda tiene una luz más suave en comparación con la derecha, así como una marcada diferencia en la apariencia del fondo.

Como habrás notado en los ejemplos anteriores, la luz más dura parecía más «contrastada», lo que significa que las sombras se definían de forma más agresiva en la imagen. Todavía podemos hacer que la luz suave contraste, pero ahora tenemos que considerar la distancia. Cuanto más cerca esté la luz del sujeto, más brillante será, lo que dará como resultado una mayor disparidad entre las luces y las sombras. Esto también significa un mayor contraste. A medida que se aleja, ocurre lo contrario. Es posible que conozca esto como algo que se llama la «ley del cuadrado inverso». Básicamente dice que el poder de una luz no se correlaciona directamente con su distancia; en cambio, cambia exponencialmente (a medida que te alejas n veces, tu potencia se vuelve n ²veces más débil). Algo dos veces más lejos es 4 veces más débil y algo tres veces más lejos es 9 veces más débil. Luz muy cercana = muy potente y contrastada. Más lejos   = menos potente y menos contrastado.

Cerca de la luz: alto contraste y caída rápida. Luz más lejana: Todavía un poco de alto contraste, pero definitivamente menos. También hay una caída más lenta. En ambos, la exposición se ajusta a la cara del sujeto.

Emplumando la luz

La ley del cuadrado inverso tocó indirectamente la idea de caída. Feathering the light se basa un poco en este concepto. Es importante recordar que la luz tiene una forma (un cono) y el cono se mueve a través del espacio a medida que se aleja de la fuente. Reconocer el borde de esa luz (el cono) permite un control más matizado de la iluminación en la escena.

Uno de los usos más comunes de esta técnica se conoce como “desvanecimiento de la luz”. La luz es más brillante en el medio. A menudo, esta luz de contraste adicional o «punto de acceso» no es ideal para el tema. Parece un poco caliente (brillante) o desigual en comparación con el resto de la luz del sujeto. Esto puede parecer contrario a la intuición del punto anterior, pero sepa que a) a algunas personas les gusta la consistencia de la luz sobre el sujeto, especialmente cuando se ilumina suavemente, yb) de todos modos, todo depende del gusto personal. Solo conoce los resultados de lo que estás haciendo y si los quieres o no.

Difuminar la luz del fondo significa que todavía podemos utilizar el modificador suave más grande, pero podemos girarlo para que la luz no esté encendida, o parcialmente encendida, en el fondo. Esto permite un mayor control del contraste en la escena.

A medida que la luz gira, ya no ilumina el fondo, pero la cara del sujeto permanece iluminada.

Cuadrículas

La luz consiste en gran medida en ponerla donde quieras y bloquearla donde no. Los moldeadores de luz, como las rejillas, le permiten crear focos de luz más específicos en cualquier lugar donde desee colocarlos. La única advertencia a esto es que a menudo necesitará más de una luz para usarlas de manera efectiva. Pueden funcionar de forma creativa como la única fuente de luz de la escena, pero se utilizan con mayor frecuencia como fuentes secundarias. Las rejillas vienen en diferentes grados: los números más pequeños significan un haz más estrecho.

De izquierda a derecha: sin cuadrícula, 5 grados, 10 grados, 20 grados. Recuerde también que la distancia también contribuye a la propagación de la luz.

La bandera

Esta herramienta se trata de bloquear la luz donde no quieres que esté. Una de mis herramientas favoritas, esta es una que no siempre recibe mucho amor, especialmente con los fotógrafos de retratos. La bandera es un marco de metal envuelto en tela negra que absorbe o bloquea la luz. La bandera se puede utilizar para crear un relleno negativo , porque la tela absorbe la luz, oscureciendo el área no iluminada (aumentando así el contraste). También puede ahusar la luz (similar a las puertas de granero, excepto que no está montada en la luz) para evitar que la luz golpee el fondo. Hay una cantidad aparentemente infinita de formas en que se pueden usar las banderas y, por lo tanto, las convierte en una de las herramientas de modelado de luz más versátiles.

De izquierda a derecha : sin indicador, indicador como relleno negativo, BTS de configuración

De izquierda a derecha : sin bandera, bandera que bloquea la luz del fondo, BTS de configuración

Expresiones de entrenamiento

No pase por alto la importancia de la expresión en una fotografía; puede ser uno de los elementos más importantes. Cada fotógrafo de retratos tiene su propia bolsa de trucos cuando obtiene expresiones de su sujeto. Richard Avedon, por ejemplo, fotografió una vez al duque y la duquesa de Windsor, quienes eran ávidos amantes de los carlinos. Avedon, en el set, comienza a contar una historia de cómo, en el camino, su taxi atropelló y mató a un perro (no era cierto). Sus súbditos estaban horrorizados. Tomó fotografías. Hay una historia mucho más profunda en juego aquí, especulando por qué Avedon quería hacerlos quedar mal, pero no entraré en eso aquí.

Ciertos fotógrafos solo buscan una representación halagadora, otros necesitan una historia que los acompañe o complacer a un editor de fotos. Una expresión a menudo también dicta la respuesta emocional del espectador. Las expresiones son uno de los elementos más importantes en los que no se enfocan suficientes personas. Un retrato a menudo se gana o se pierde aquí; La Mona Lisa , La joven de la perla . Son enigmáticos y resisten la prueba del tiempo en gran parte debido a su expresión.

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El retrato dramático puede ser serio, melancólico, misterioso, cinematográfico. Las formas en que usted, como fotógrafo (y, en última instancia, como comunicador visual), crea estos tonos tienen como objetivo ayudarlo a contar una historia visual más atractiva.

El retrato dramático tiene que ver con la luz, crear un estado de ánimo y mostrar emoción, no solo con el sujeto en sí, sino también con la forma en que lo capturas. El drama es una herramienta impactante a la hora de crear la narrativa de una imagen. Es poderoso, efectivo y le habla a una multitud de elementos en la psique. No es para todos ni para todas las situaciones, pero puede ser increíblemente útil cuando se usa bien. Para obtener más información sobre retratos dramáticos, consulte mi libro, The Dramatic Portrait o mi video tutorial con PRO Edu .